La Revista Gallaretas de Nordelta publicó una nota sobre la Muestra de Fotografía ALTAR, en el marco de La Noche de las Artes de Tigre, 14 de diciembre de 2012.
http://www.gallaretas.com.ar

Que las imágenes salgan del espacio sagrado de una iglesia no es un dato menor. La fe dogmatizada, aquella de los preceptos rígidos, fue mermando, tal como lo dice el Tao, lo rígido muere, lo blando permanece. En realidad uno puede pensar que la fe no muere sino que se transforma, se sale de los espacios “autorizados” y se filtran en los espacio cotidianos, en un rincón urbano, al costado de la ruta, en algún lugar insípido que por obra de quien sabe que potencia, se transmuta en un centro de atracción y hasta de peregrinación. Los que frecuentamos museos, galerías y centros culturales, los que conocemos el término “instalación”, muchas veces nos vimos tentados de considerar esos altares multiformes como verdaderas expresiones artísticas; el despliegue de objetos, colores y olores, bien podría recrearse en algún taller de artista. Daniel Romano aprovecha este creatividad para ubicar su propio altar en un territorio ambiguo entre la fe y el arte. Su propio altar está acompañado por más de un centenar de fotografías de otros altares, donde se pueden ver los rostros mudos de San Expedito, la Difunta Correa, San Lamuerte, la Virgen de Fátima, la Virgen Desatanudos, Ceferino Namuncurá, Pancho Sierra y el Gauchito Gil entre otros tantos, una galería de santos viejos y jóvenes, clásicos y de moda. Ellos no están solos, además de las velas omnipresentes hay ofrendas, de procedencias tan variadas que desafían a la imaginación más audaz, todo esto está testimoniado en un trabajo de antropólogo-sociólogo-artista que ha demandado varios meses de viajes, observación y registro.

A tono con la época, Daniel Romano rescata un fenómeno social cada vez más fuerte, la vigencia de la fe popular, su transformación constante, y sobre todo el uso de un lenguaje expresivo que a todas luces parece compartir con el arte contemporáneo.

Julio Sánchez
Licenciado en Historia del Arte U.B.A. y
Master en Gestión Cultural

Noche de las Artes, un evento que va a congregar al mejor arte contemporáneo a lo largo y ancho de Tigre.

Noche de las Artes comienza el viernes 14 de diciembre y finaliza el sábado 15.

Los museos, galerías de arte, centros culturales y talleres de artistas situados en Tigre abren sus puertas y sus más recientes propuestas. En Boulevard Sáenz Peña, los vamos a estar esperando con “Altar”, una muestra del artista Daniel Romano, que presenta su más reciente proyecto.

Este evento propone un circuito de arte, música en vivo y entretenimiento que puede recorrerse en auto, en bici, en tramos caminando y también en micros especiales que circularán cada media hora, haciendo todo el recorrido. Para ver el mapa del evento, los invitamos a visitar este link donde está publicado el mapa con toda la información detallada del evento:

http://elboulevarddetigre.blogspot.com.ar/2012/11/el-mapa-de-la-noche-de-las-artes.html

Los esperamos a todos para vivir un cierre de año lleno de arte. amigos, encuentros y buenos momentos. ¡Muy feliz fin de año!

http://instagram.com/danielromanonet/

Si sos usuario de Instagram, me encontrás en:

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http://www.buenosairesphoto.com

Video de presentación de mi libro PAR, en Buenos Aires Photo.

AUDITORIO FUNDACION DELOITTE
Coordinación académica: Rodrigo Alonso

El programa del auditorio de este año está articulado sobre tres tipos de actividades: una conferencia magistral a cargo del fotógrafo catalán Joan Fontcuberta, mesas de discusión, y presentaciones de libros. Cada una nos permite aproximarnos a diferentes aspectos de la fotografía contemporánea, desde su historia a su producción actual, desde su enseñanza a sus espacios de circulación. Prestigiosos especialistas, gestores y artistas aportan sus reflexiones y conocimientos a este ámbito que desde sus inicios es uno de los ejes centrales de la feria.

……………………………………………………..

PROGRAMA

Viernes 26 de octubre

17.30 — 19 horas Presentación de libros de la colección Fotógrafos Argentinos de Editorial Dilan.

19 — 20.30 horas Conferencia magistral a cargo de Joan Fontcuberta.

Sábado 27 de octubre

17.30 — 19 horas Presentación de libros de la Editorial Larivière: Sara Facio, de Sara Facio; Ananké Asseff. Obra 1999-2012, de Ananké Asseff; y Ecos del interior, de Martín Weber.

19 — 20.30 horas Mesa de discusión: Historias, colecciones y archivos, con la presencia de Ataúlfo Pérez Aznar, Facundo de Zuviría y Roberto Guidotti.

Domingo 28 de octubre

17.30 — 19 horas Presentación de libros autogestionados: Fotografías de Teatro Abierto, de Julie Weisz; Summertime, de Leandro Piñeiro; Santa Fe Litoral, de Lena Szankay; y Par, de Daniel Romano.

19 — 20.30 horas Mesa de discusión: La enseñanza de la fotografía: arte, oficio y creatividad, con la presencia de Juan Travnik, Eduardo Gil y Alberto Goldenstein.

presento PAR, mi libro de fotografía contemporánea, curado por Valeria Gonzalez y Rodrigo Alonso.

más información:

http://www.danielromano.com.ar

AUDITORIO FUNDACION DELOITTE

Coordinación académica: Rodrigo Alonso

El programa del auditorio de este año está articulado sobre tres tipos de actividades: una conferencia magistral a cargo del fotógrafo catalán Joan Fontcuberta, mesas de discusión, y presentaciones de libros. Cada una nos permite aproximarnos a diferentes aspectos de la fotografía contemporánea, desde su historia a su producción actual, desde su enseñanza a sus espacios de circulación. Prestigiosos especialistas, gestores y artistas aportan sus reflexiones y conocimientos a este ámbito que desde sus inicios es uno de los ejes centrales de la feria.

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PROGRAMA

Viernes 26 de octubre

17.30 – 19 horas Presentación de libros de la colección Fotógrafos Argentinos de Editorial Dilan.

19 – 20.30 horas Conferencia magistral a cargo de Joan Fontcuberta.

Sábado 27 de octubre

17.30 – 19 horas Presentación de libros de la Editorial Larivière: Sara Facio, de Sara Facio; Ananké Asseff. Obra 1999-2012, de Ananké Asseff; y Ecos del interior, de Martín Weber.

19 – 20.30 horas Mesa de discusión: Historias, colecciones y archivos, con la presencia de Ataúlfo Pérez Aznar, Facundo de Zuviría y Roberto Guidotti.

Domingo 28 de octubre

17.30 – 19 horas Presentación de libros autogestionados: Fotografías de Teatro Abierto, de Julie Weisz;Summertime, de Leandro Piñeiro; Santa Fe Litoral, de Lena Szankay; y Par, de Daniel Romano.

19 – 20.30 horas Mesa de discusión: La enseñanza de la fotografía: arte, oficio y creatividad, con la presencia de Juan Travnik, Eduardo Gil y Alberto Goldenstein.

Una usina para estar bien

Es, al mismo tiempo, el taller de una artista y una escuela. Bajo la propuesta del Bien Estar –que es más que el bienestar–, en todo el espacio surgen de continuo ideas creativas que unen distintas experiencias artísticas de creadores consagrados.

Por Pablo Helman

12/10/12 – 09:29

Vintage. Al proyecto se unieron artistas como Milo Lockett, tal como puede verse en la foto . Además, la elección del mobiliario tiene que ver con rescatar lo kitsch ?las dos fotos de la izquieda? y lo artesanal, junto a este epígrafe: la idea es que todo tenga el sentido de crear climas, sensaciones en una experiencia estética.
La pregunta sería cuánto del contexto –el Tigre, este magnífico espacio de luz natural y objetos bellos– ejerce efectos benéficos en el “texto”, que no es otra cosa que la obra que nace. La respuesta es del estilo de aquellas del movimiento que se demuestra andando: esta Usina del Bien Estar es el origen de muy buenas ideas. Y la realización de un proyecto personal que tiene que ver directamente con la búsqueda estética. “La Usina del Bien Estar (usinadelbienestar.blogspot.com) es un espacio para ser y crecer. Creamos esta escuela de arte con la firme convicción de que el arte enriquece la vida cotidiana. Los invitamos a formar parte de nuestra comunidad”, explica Andrea Degiovanni, una verdadera alma máter de este proyecto (que también guarda –o, mejor dicho, exhibe– un interesante espíritu femenino). Degiovanni también es artista plástica y efectuó diversas muestras de su obra pictórica y fotográfica. La Usina del Bien Estar es una escuela de arte para grupos de todas las edades, hay clases de artes integradas, creatividad, talleres de serigrafía, de arte decorativo y más. El espacio es también un centro de gestión ya que se realizan propuestas para incentivar a través del arte un recorrido cultural en Tigre. Algunos de los artistas que se han sumado al espacio –es decir, a la propuesta– son María Laura Pini, Milo Lockett, Felipe Giménez, Débora Zilberman, Micaela Escudero, Daniel Romano y Carolina Weisz. Recorriéndolo, nos surge otra pregunta, complementaria de la primera que hicimos: ¿cuánto de la obra hace eco en el contexto, lo transforma? La respuesta es todo.

Textos: Pablo Helman.
Producción: Catalina Arrechea.
Fotos: Néstor Grassi.

´cuando un discurso es de tal modo arrastrado por su propia fuerza en la deriva de lo inactual, deportado fuera de toda gregariedad, no le queda más que ser el lugar, por exiguo que sea, de una afirmación…´
Roland Barthes

El desarrollo de las nuevas tecnologías de la información no ha hecho más que profundizar una brecha ya existente antes de su sigiloso advenimiento. Luego de un apagón financiero y dos grandes guerras mundiales, la exaltada racionalidad del funcionalismo modernista y su certeza en torno a un progreso indefinido, ilimitado, fue cediendo paso a paso frente a una nueva escansión fundante, hasta colapsar, hasta diseminar el derrumbe desde sus bordes más alejados hacia el centro mismo de la escena.

Esa nueva instancia, a la cual filósofos y estudiosos de las ciencias sociales dieron en llamar ´posmodernidad´, ha venido desarrollándose incansablemente bajo el sol de los nuevos acontecimientos (políticos, económicos y sociales) y el rigor de otras apariencias o inestabilidades (financieras).

En el terreno de las artes, este laboreo ha dejado de asumir gradualmente un rol de legitimación del discurso central (probablemente en manos del ´museo´) y de algunas de sus satelizaciones (la crítica ´obediente´) para dar lugar a zonas o espacios de relativa autonomía. En dichas zonas, las producciones que antes trasuntaban en la órbita de las periferias hoy tienen la chance de trabajar sobre si mismas o en torno a construcciones similares (aquellas que comparten ciertas porciones de un mismo imaginario) generando de esa manera un protagonismo radical producto de una actividad que bien podríamos denominar ´autorreferencial´, claramente categorizada por Gianni Vattimo en uno de sus textos más relevantes y emblemáticos acerca del posmodernismo1. Desde este punto de vista, para las formas productivas devotas de la posmodernidad resulta imposible no transparentar al menos parte de dichos mecanismos autorreferenciales, a través de los cuales buscamos develar o más bien exponer, inevitablemente, un entramado lógico como una suerte de racionalidad a partir de la cual continuar exponiendo el mundo.
Pero en términos de esto que consignamos: qué significa ´exponer´ el mundo hoy…? Sin lugar a dudas, este interrogante configura una manera de plantearnos otra nueva inestabilidad: la de la fragmentariedad tanto de los procesos productivos como de sus convergencias. Tal como lo señalamos anteriormente, la matriz posmoderna dinamiza la alternancia de los centros y las periferias entre si, calcando increíblemente a una de las más recordadas sentencias inscritas en el Libro de los veinticuatro filósofos: ´Dios es una esfera infinita cuyo centro se halla en todas partes y su circunferencia en ninguna´2.

A partir de esta nueva disposición de fuerzas (fragmentariedad y alternancia de centro/periferia) las improntas revisionistas que otrora validaban retrospectivamente un género literario o pictórico, dan lugar a una combinatoria que en muchos casos puede presentarse como realmente vertiginosa o, como lo señalaba Giles Deleuze a propósito de la construcción del espacio en el cine de Bresson, un blend logrado a partir de ´pequeños fragmentos desconectados, pequeños trozos en los que la conexión no está predeterminada´3. Contextualizando dicha analogía, podemos afirmar que una de las tematizaciones importantes que se dan en base a esa construcción fragmentaria y periférica es la del retrato, que en sus orígenes comenzó operando como ´genero de culto´, absolutamente central, para luego ir experimentando una gradual dispersión que lo puso a las puertas de etiquetarlo como ´genero menor´. De esta manera, producir retratos en pleno siglo XXI, en el seno de una sociedad hiperconectada y sobreinformada, pero atravesada por fenomenales crisis políticas y económicas de escala global, resulta antes que nada un gesto capaz de inscribir, ideológicamente hablando, una marca de productividad, un trayecto cuyo rastro vital descorre el velo sumiso que se templa sigilosamente entre los bordes y su centro.

La serie de retratos de Daniel Romano no cesa de inscribirse en ese espacio de alternancias, afirmaciones y -porqué no- pequeños desplazamientos, aliteraciones. Tratándose de producción de retratos, resulta ineludible tomar cuenta de ciertos elementos que hacen a su dimensionamiento como relato. Así, los retratos entendidos en si mismos como enunciados (o relatos) dotados incluso de las instancias de enunciación y enunciado, son capaces de construir un discurso a través del flujo y reflujo de sus figuras/ personajes en interacción con la mirada ´ausente´ del artista o el espectador.

Los personajes de los retratos de Daniel buscan sobreponerse a una especie de
opalescencia de la mirada (la propia, la suya, la nuestra) que bien podría entenderse como la instalación de la ´ausencia´ en tanto valor relacional.
En ´hombre sentado´ (D.R. hombre sentado. 2006. Ver imagen) por ejemplo, la figura asume poco menos que una posición provocadora, relajada, distendida, dispuesta casi a lo ancho del cuadro en una abierta configuración gestual que traduce una instancia de interpelación: la mirada fija, la cabeza levemente inclinada hacia nuestra derecha, la camisa blanca entreabierta y arremangada, en tanto que la mano derecha, de palmas abiertas, nos embarca en un clarísimo mensaje que decodifica ´receptividad´: es la mano, quizás el cuerpo entero, quien recoge expresamente el tamaño de aquello que la mirada retiene o fija como ausencia huidiza, demanda, demora.

daniel romano, hombre sentado. 2006.-

´El otro se encuentra en estado de perpetua partida´, señala Roland Barthes en su recordado Fragmentos de un discurso amoroso4, a propósito de la figura de la ausencia. En los retratos de Daniel Romano, esa ausencia es producto del tráfico formal que señalábamos antes, donde la disposición de las figuras, la impronta de los gestos y la ecuación general de la composición construyen, ´especularmente´, una suerte de mirada fuera del cuadro, pero tematizada en el cuadro.
La temática de Daniel se encuentra bien diferenciada de producciones que hacen centro en la soledad existencial, tal como puede verse quizás en Hernán Bas. Allí, la soledad, la ausencia, es más bien el producto de una elección que asoma por fuera del hecho artístico, de la mano del autor, el anecdotario del espectador o de la crítica misma, antes que una consecuencia estrictamente formal.
En ´sin título´ (D.R. sin título. 2006. Ver imagen) la relación que bosquejamos alcanza un grado más de complejización, ya que formalmente podemos encontrar una clave más que interesante, que hace a la puesta en contexto de la figura de mujer que anda (o desanda…?) un camino.

daniel romano, sin titulo. 2006.-

La ausencia, en tanto figura relacional, no puede desplegarse sino a partir de quien permanece en la espera. Hay en ello una suerte de ley, de necesaria puesta en escena que hace a la fructífera confluencia/ disfluencia de esta dupla imperfecta, ya que quien se ausenta lo hace de algo o de alguien que casi siempre permanece en su sitio, en su damero, en su insólito lugar de alternancia.
´Sin título´ nos despliega exactamente eso: escenifica a quien parte y quien reside, a quienes enuncian (el artista) y quienes son enunciados (los personajes) rumbo a una trama narrativa tan rica como inesperada, ya que la continuidad y la resolución de la historia permanecen de momento en un estado performativo, es decir, con final abierto.

Otra de las producciones sintomáticas de Daniel Romano, ´esperando turno´ (D.R. esperando turno. 2007. Ver imagen) trabaja otro registro de la ausencia: el de la confrontación de la ausencia, el de la ausencia en presencia. Más allá de cualquier referencia más o menos velada a las producciones de David Hockney, Edward Hopper o bien al celebrado Grant Wood (el de ´american gothic´)5, el trabajo de Romano busca colmar la combinatoria de posibilidades arrancando en este caso desde la disposición de sus personajes, quienes se presentan en una especia de ´grado cero de la gestualidad´: ninguna expresión, ninguna movilidad u oscilación; nada que permita suponer siquiera alguna mínima intención de exteriorizar un sentimiento, ningún cruce, ningún relevo… nada, excepto ese toque languidecente de desrealidad que todo lo puede.

En este caso, vemos que los personajes mismos reacondicionan las categorizaciones sobre las que veníamos trabajando anteriormente, migrando de aquello que podíamos llamar ´la presencia de una ausencia´ a una ´ausencia en presencia´, ya que ambos están absolutamente desconectados entre sí aunque envueltos en un ´clima´ de ascesis total que dispara una especie de ´locura de las interpretaciones´: esperando turno en consulta médica…?, esperando la mirada animadora de los interpretadores (nosotros)…?, o simplemente la ´espera´ como figura retórica, como un hecho absoluto, con peso específicamente propio…?. Tal la amplitud de banda que esta producción en particular.

daniel romano, esperando turno. 2007.-

Esta serie de retratos de Daniel Romano nos presentan a la ´ausencia´ como un valor de contigüidad (se está solo frente a otro o solo junto a otro: en pleno siglo XXI, y profundamente aislados por una sociedad hiperconectada). Pero esta misma tipificación es la que los coloca en un giro envolvente que los realza hasta su propio estrabismo, hasta su impropio punto de indefinición. De allí el perfume intensamente narrativo que despiden, tras esa atmósfera inquietante…

> francisco roldán

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@placerdeltexto

Notas y comentarios
1 – El texto al que aludimos es El fin de la modernidad. Giani Vattimo. Ed. Gedisa, Barcelona 1986.-
2 – Este pasaje del Libro de los veinticuatro filósofos (Liber viginti quattuor philosophorum. datado en el siglo XXII y de
autor anónimo) es contextualizado por Jorge Luis Borges en un relato memorable titulado La esfera de pascal. Dicho relato forma parte de Otras inquisiciones. Otras inquisiciones. Ed. Emecé, Buenos Aires 2005.-
3 – Pasaje extraído de Qué es el acto de creación…?. Giles Deleuze. Conferencia dada en 1987 (traducción de Bettina
Prezioso, 2003).-
4 – Fragmentos de un discurso amoroso. Roland Barthes. Ed. Siglo veintiuno, México 1993.-
5 – Puntualmente nos referimos a Mis padres de David Hockney (1977), Lobby de hotel, de Edward Hopper (1943) y American Gothic de Grant Wood (1930), quienes de alguna u otra forma ideologizan, tomando posición sobre cuestiones tales como la rutina, la monotonía y el rigor laico en tanto forma de vaciar figuras netamente relacionales.-

PAR. El primer boceto impreso de mi libro de fotografía. 350 páginas, está curado por Rodrigo Alonso y Valeria Gonzalez. Preparando la edición para su presentación en breve.

Curador: Philip Larratt-Smith
Por primera vez en Argentina se exhibirá Louise Bourgeois, una visión retrospectiva de su obra que, tal como sintetiza Philip Larratt-Smith, será “el primer análisis en profundidad de su relación con el psicoanálisis y el arte”.
Se exhibirán alrededor de setenta y cinco obras de los diversos períodos de su producción, instalaciones, esculturas, objetos y una de sus famosas Maman. El catálogo reúne textos de especialistas sobre sus obras y un libro especial con los escritos de Bourgeois sobre el psicoanálisis.
La muestra ser realiza en colaboración con el Studio Louise Bourgeois, y se presentará en el Instituto Tomie Ohtake de San Pablo y el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, durante la temporada 2011.
Fundación PROA
Av. Pedro de Mendoza 1929
La Boca, Caminito
[C1169AAD] Buenos Aires
Argentina
-
T [54.11] 4104.1000
E info@proa.org
-
De martes a domingo
11 – 19 hrs.
Lunes cerrado.

El laboratorio Soubeiran Chobet ha publicado por tercer año consecutivo su agenda anual con obras mías de distintos años. La agenda se distribuye por todo el país, en hospitales y clínicas a médicos y personal de todos los establecimientos.

http://www.soubeiranchobet.com.ar

Nueva web!

http://www.danielromano.com.ar/

comparto con todos mi nueva página web que iré actualizando de manera más ágil por ser completamente editable. Chocho.

Pueden leerlo en http://www.ramona.org.ar/node/35434

Aquí lo transcribo:

Autor de la reseña Lic. Mónica Herrera
Muestra Códigos
Espacio Ohpen Galería de Arte
Artista(s) Daniel Romano | entre otros | Micaela Escudero
Técnica(s) Otras
Inauguración 09-12-2010 19:00
Cierre 15-02-2011 19:00

En la última obra de Daniel Romano hay, a mi entender dos focos de atención, o mejor dicho, dos direcciones que prestar atención.

Vamos por la primera, la evidente a todos (y no lo digo peyorativamente sino porque el montaje de la obra así se muestra) la máscara propiamente dicha: Aquí la dirección está puesta del espectador hacia la obra. Lo que el artista invita ver. Una máscara, objeto de risa por definición etimológica (sobre esto volveré luego), máscara como objeto icónico; lo que cubre; lo que protege.

La segunda dirección, es la contraria aquella: de la obra / el artista [camuflado] hacia el espectador. La razón de ser de la máscara. El acto de escrutar al espectador como espectador en una fracción mínima de segundos. Cámara de video oculta que registra claro está, la cara social de la muestra, no sólo el rostro de quienes observan su máscara de modo aislado.
Pienso en el panóptico de Bentham (y Foucault, desde luego), la vigilancia, el control, big brother, abuso de la observación, sumado el registro que permite rever ad infinitum la misma imagen, el mismo evento.

En cuanto al nombre de la muestra(Códigos)pienso en sus convenciones en tanto la particularidad del código como tal y llego a los distintos debates semiológicos ya conocidos,pero sobre todo al de Gilo Dorfles(1)con su previsibilidad semántica (“causalidad”, “previsión” desde la relación antes/después, presente/futuro/ y causa/efecto de un signo determinado); y los deslizamientos semánticos (cuya “moda estética”, propia del mundo del arte, “propone” nuevos signifies a la versión original).
Aquí retomo lo que dejé pendiente: la polisemia de un concepto como “máscara”, que en el caso de la de Daniel, no representa ninguna en particular más que su valor icónico como tal, pasando, por lejos, del objeto de risa original a cámara de vigilancia estetizada, y desde allí, despierta mi intriga no tanto por lo que se ve sino por lo que no se ve.
Más allá del ocultamiento del artificio de vigilancia, la conciencia del control como modificador de conductas. Dicho de otro modo,el (des)conocimiento del espectador de estar siendo observado permanentemente y el posible análisis conductual en un espacio de exhibición, donde lo verdaderamente expuesto, es el espectador mismo puesto en “acto”…

—
(1)Gilo Dorfles. Del significado a las opciones. Lumen. Barcelona. 1º edición 1975.Pg 45 ss.

MONICA HERRERA Tucumán (1971) Lic. en Artes Plásticas (UNT).
Artista,investigadora, curadora y crítica de arte.
Miembro del Instituto de Investigaciones Estéticas (IIE) de la Facultad de Artes (UNT) desde Abril de 2007.
Beneficiada con una beca CIUNT para doctorado, y por Paralelo 26, una beca nacional para proyectos grupales del Fondo Nacional de las Artes (FNA)
Actualmente se encuentra realizando sus estudios en la carrera de Doctorado en Humanidades con especialidad en Artes plásticas de la Facultad de Filosofía y Letras (UNT) y un Postítulo de Historia y cultura de Tucumán de la Universidad San Pablo-T (USP-T)
Integra el proyecto CIUNT “Arte Contemporáneo y Política Cultural de Tucumán. Mediaciones y Cruces entre Estado, Gestiones Independientes y Artistas”, dirigido por Arq. Marcos Figueroa.
Se desempeñó como adscripta docente. Área profesional en la cátedra Prácticas de taller III IV V del Taller C de la Facultad de Artes (UNT) de 2007 a 2010.
Fue Directora Ejecutiva para Tucumán en Plano azul.com. Portal de arte y cultura desde Marzo de 2008 hasta Septiembre de 2009.
Trabajó en el Ente Cultural de Tucumán por más de 3 años.
Publica numerosos artículos en distintos medios y expone a nivel nacional.
Sitio web

http://sites.google.com/site/doctohumanidades/alumnos-del-doctorado/monica-he

Qué ve una obra el día de la inauguración donde es presentada?
Para saberlo, en una de las obras presentadas en OHPEN, en diciembre de 2010, instalé una cámara que filmó toda la muestra.

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CÓDIGOS es la muestra de Micaela Escudero, Alberto González Vivo, Daniel Romano y Mariana Villafañe, cuatro artistas que declaran potenciarse al trabajar juntos. La exhibición revela a las claras lo que el equipo sostiene y una mirada general sobre la sala permite ver el alto nivel de sus trabajos manifestado en distintos géneros como pintura, escultura, fotografía, serigrafía, objeto y video.
La consonante calidad de las obras no ha atenuado su diversidad expresada en el trabajo de cada uno de los artistas. Escudero se pregunta sobre la realidad de su cifrada pieza pictórica y la homónima imagen en video, como lo hizo Joseph Kosuth en su tiempo, agregando la variante de que el espectador pueda interponerse entre la luz focal y la pantalla con el fin de intervenir efímeramente la obra. Por su lado, González Vivo en espacios rítmicos elaborados sobre lienzos, combate el marasmo, creando dinamismo a través de las propiedades psicofísicas del color. Daniel Romano, definido por Fabiana Barreda como un creador de territorios de contemplación, se eleva ante la complejidad de los códigos reflexionando sobre la infinidad de variantes de una misma imagen. Cierra Mariana Villafañe con una obra donde un despliegue de signos gráficos visualmente reconocibles se convierte, a través de su acción, en una maraña de elementos crípticos. Los signos desplegados y yacentes en medio de un sistema que los agota, atrapan al espectador por medio de una obra de estética distante que devela plásticamente la utópica ilusión de las convenciones.
Una visión crítica y aguda sobre las normas admitidas tácitamente toma color y forma, son los artistas los que nos acercan a un estilo de luz que se alza por sobre todo código existente.

Grace Bayala

Grace Bayala es curadora de arte.
http://www.gracebayala.com.ar

CÓDIGOS puede verse desde el 9 de diciembre y última Gallery Night Palermo, hasta el 31 de diciembre de 2010, en OHPEN GALLERY, Cabrera 5033, Buenos Aires, Argentina.
Categoría:
Cine y animación
Etiquetas:
art arte daniel romano danielromanonet Ohpen muestra inauguración Palermo Micaela Escudero Alberto Gonzalez Vivo Mariana Villafañe Villafanie video instalacion Gallery Nights

Grace Bayala

Grace Bayala es curadora de arte.
http://www.gracebayala.com.ar

CÓDIGOS puede verse desde el 9 de diciembre y última Gallery Night Palermo, hasta el 31 de diciembre de 2010, en OHPEN GALLERY, Cabrera 5033, Buenos Aires, Argentina.

Expongo en Ohpen Galería de Arte, este jueves 9, de 19 a 22 hs, noche especial de Gallery Nights, Cabrera 5033, Buenos Aires, Argentina.

Exponemos Micaela Escudero, Mariana Villafañe y Alberto Gonzalez Vivo y Daniel Romano. Curaduría de Grace Bayala. Hasta el 31 de diciembre.

Los espero a todos!

Exponemos el 11 de diciembre en Paraná y el Río.

INAUGURACIÓN
sábado 11 de diciembre, 18 hs.
ESPACIO RIBERA, Paraná y el tren de la costa
buena música en vivo

Artistas del Taller de Laura Messing.

Soledad Arrebillaga, Laura Avalle, Nora Barry, Nora Busti, Viviana Butalla, Marilina Carlini,Nacho Costa Paz, Sandra Delfino, Verónica Deluchi Levene, Susy de Pamphilis, Micaela Escudero, Lucila Fliess, Diana Gategno, Mónica Goldenhorn, Gaby Gonzalez Arcila, Alberto Gonzalez Vivo, Vicky Graglia, Carolina Grassi, Patricia Lotcher, Lula Matisic, Jimmy Mackern, Alejandra Mastelbaum, Anastasia Moiseff, Juana Nogueira, Cynthia Panella, Romina Peloi, Marcela Riera, Daniel Romano, Martín Salgueiro, María Vallier, Mariana Villafañe, Gustavo Von Hunefeld.

Las obras de Daniel Romano se inscriben en ese encuentro como revelación.
Sus piezas pictóricas abren el mapa del rostro como el retrato silencioso de una unión secreta al momento del encuentro con el otro.

Sus ojos nos observan quietos, serenos y vulnerables abriendo un mar emocional, profundo, develador y conmocionante.

Diferentes estados de conexión afectiva aparecen en las obras, sus pinturas permiten la quietud de la contemplación, es en ese territorio donde nos sumergimos en ojos azules hacia lo profundo del mar y recorremos caras que se desdoblan observándonos en estado de introspección.

En su serie de retratos multiplicados, la cita a Warhol se potencia desde una perspectiva barthesiana. Como en el texto de Roland Barthes “La cámara lúcida”, una querida foto familiar antigua es tomada como un caleideidoscopio de recuerdos, actualizando ese otro del pasado en múltiples formas coloreadas en el presente.

Aquí la mirada es memoria afectiva, esa imagen especial marcada por el “punctum” del deseo, es recuperada alegre y seductoramente por la belleza plástica.

El otro estado de la mirada aparece en su serie de mascaras plateadas y doradas. Allí rostro y máscara se fusionan, y como en las antiguas culturas, lo sagrado emerge transmutando el estado interior, de forma ya inmaterial, ya que la luz es rostro y la mirada abismo celestial.

Fabiana Barreda
Artista de Arte Contemporáneo

http://www.fabianabarreda.com

Este texto escrito por Fabiana Barreda presenta MASK, buscando del otro lado, en la Galería del Boulevard Saenz Peña. Gracias Fabiana por estas palabras que me acompañarán siempre. D.

Esta es una nota que me hicieron para el BLOG de la Galería del Boulevard Saenz Peña.
Una tarde en casa, muy relajados y charlando.

La pueden leer acá:

http://boulevardsaenzpena.blogspot.com/2010/10/miradas-infinitas.html

Esto es lo que escribió con algunas obras de MASK a la vista:

Toda manifestación artística es expresión de lo más intimo del artista, un regalo de parte de su esencia primera.

Gracias Carla.

Mirá. Mirá bien. ¿Qué ves? Seguí mirando, atravesame. Ahí estoy, una vez más, mirá detrás de mis intentos. Diluí las máscaras con tu mirada. Que ves esta vez?
Son capas y capas de un ser, queriendo ser vos, queriendo ser él, queriendo ser otro.
Queriendo ser.

¿Se pueden contar 6 puntos con 10 líneas? Podría, infinitamente, contar una línea con dos puntos. Dos puntos que no sean el mismo, por ejemplo: vos y yo. Si agregásemos un tercero, lograríamos reafirmar la línea, o engendraríamos una punta, y con ella: El triángulo. No sería difícil. Pero explicar puntos partiendo de líneas, es más complicado. Será porque la humanidad, como conjunto y como elemento, tiende más al ciclo que a la linealidad. Quizá debiera dividirme en dos, que cada una de mis yo cuente 3 de los puntos, el problema es que 3 puntos siempre significan misterio, y si contamos el misterio…Entonces, pruebo dividiéndome en 3. Mis dos ojos, dos puntos para cada uno, derecho: izquierdo: Faltan dos. acudo a tu mirada: que siempre es mi tercer ojo. Armamos un menage a trois de dos-puntos, que queda inmoralmente redundante ::: No queda más que ser valiente, dividirme por mi. Queda una. Quedo Yo. Tu. Él. Nosotros. Vosotros. Ellos. 6 personas para mostrarlas a todas. 6 los puntos. . . . . .

Gracias Gaby.

MASK. Buscando del otro lado.
Muestro mi proyecto de máscaras: pinturas, serigrafías, y objetos.
Viernes 29 de octubre a las 19 hs.
en la GALERIA DEL BOULEVARD
Boulevard Saenz Peña 1400, Tigre, Bs.As., Argentina
Tel. 54 11 5197 4776

www.boulevardsaenzpena.com.ar
ad@boulevardsaenzpena.com.ar

LOS ESPERO A TODOS!!! a tomar un vinito y estar un rato con amigos.

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Daniel Romano nació en Buenos Aires, Argentina, en marzo de 1965. Pasó su infancia y su adolescencia en Mar de Ajó donde hizo sus estudios primarios y secundarios. A los 9 años cursó su primer curso de dibujo en una escuela nocturna que funcionaba en el Colegio Secundario del pueblo y finalmente canalizó su pasión hacia la fotografía. En 1974 ganó el … Read More

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En la historia de la ciencia, la alquimia (del árabe الخيمياء al-khimia) es una antigua práctica protocientífica y una disciplina filosófica que combina elementos de la química, la metalurgia, la física, la medicina, la astrología, la semiótica, el misticismo, el espiritualismo y el arte. La alquimia fue practicada en Mesopotamia, el Antiguo Egipto, Persia, la India y China, en la Antigua Grecia y el Imperio romano, en el Imperio islámico y después en Europa hasta el siglo XIX, en una compleja red de escuelas y sistemas filosóficos que abarca al menos 2.500 años.

La alquimia occidental ha estado siempre estrechamente relacionada con el hermetismo, un sistema filosófico y espiritual que tiene sus raíces en Hermes Trimegisto, una deidad sincrética grecoegipcia y legendario alquimista. Estas dos disciplinas influyeron en el nacimiento del rosacrucismo, un importante movimiento esotérico del siglo XVII. En el transcurso de los comienzos de la época moderna, la alquimia dominante evolucionó en la actual química.

Actualmente es de interés para los historiadores de la ciencia y la filosofía, así como por sus aspectos místicos, esotéricos y artísticos. La alquimia fue una de las principales precursoras de las ciencias modernas, y muchas de las sustancias, herramientas y procesos de la antigua alquimia han servido como pilares fundamentales de las modernas industrias química y metalúrgica.

Aunque la alquimia adopta muchas formas, en la cultura popular es citada con mayor frecuencia en historias, películas, espectáculos y juegos como el proceso usado para transformar plomo (u otros elementos) en oro. Otra forma que adopta la alquimia es la de la búsqueda de la piedra filosofal, con la que se era capaz de lograr la habilidad para transmutar oro o la vida eterna.

En el plano espiritual de la alquimia, los alquimistas debían transmutar su propia alma antes de transmutar los metales. Esto quiere decir que debían purificarse, prepararse mediante la oración y el ayuno.

Más info en http://es.wikipedia.org/wiki/Alquimia

Nacido en Gales en 1942 y formado en Londres, Peter Greenaway hace cine desde que en el Walthamstow College of Art realizó su primer cortometraje, Death of Sentiment (1962), filmado en cementerios londinenses.

En los años 70, estableció una reputación con una serie de cortos y mediometrajes entre los que se destacaron A Walk Through H y Vertical Features Remake (ambos de 1978), en donde aparece un personaje llamado Tulse Luper, que lo acompañará durante toda su obra.

El contrato del pintor (1982) fue el primero de sus largometrajes en tener una amplia difusión internacional, que continuó con Zoo (1985), El vientre de un arquitecto (1987), Conspiración de mujeres (1988), El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1989) y La tempestad (1991). En esta película, inspirada en la obra homónima de Shakespeare, Greenaway estableció un puente entre las artes representativas dominantes hasta entonces (el teatro, la danza, el cine) y las nuevas formas de expresión audiovisual, como las instalaciones y el video-arte, a las cuales privilegió en su obra posterior.

Peter Greenaway llega a la Argentina para el estreno de uno de sus últimos trabajos, Rembrandt’s J’Accuse…! (2008) en el marco del lanzamiento de EL DOCUMENTAL DEL MES que ofrecerá en el Brisith Arts Centre –que en 1997 organizó una retrospectiva integral de su cine hasta ese momento – una Masterclass sobre Rembrandt’s J’Acusse.

Me invitaron y allí estuve escuchando y compartiendo la visión del cine actual y futuro con este maestro que admiro.

VJ y Escrito en el agua fueron cortos que me rompieron la cabeza.

El video en : http://www.facebook.com/video/video.php?v=1569359675413&ref=mf